Aussi visionnaires soient-ils, à bien des égards, Thomas et Guy-Man sont venus au bon endroit au bon moment.
Photo: Jason Merritt / TERME / FilmMagic
Au cours des près de trois décennies entre les premiers singles comme « The New Wave » et l’annonce apparente de la dissolution lundi, Daft Punk a autant déplacé que les ingénieurs ou les développeurs de logiciels autant que les musiciens dans leur quête pour identifier le son parfait de la musique. Dance. Ils ont développé un produit qui répondait à un besoin non satisfait, puis ont procédé à des ajustements calculés en cours de route, en essayant de nouvelles choses et en tirant les leçons des erreurs liées à la manipulation de la formule. Le duo français était engagé dans une longue conversation avec le Zeitgeist, intéressé par rien de plus que de changer de culture: un objectif ambitieux pour n’importe quel groupe sauf qu’on pourrait affirmer que ce couple de rêveurs au dôme chromé a réussi plus d’une fois depuis 1993, mesurant les réverbérations qui ont suivi les mouvements de carrière les plus audacieux que Thomas Bangalter et Guy-Manuel de Homem-Christo ont faits à une époque où ils voulaient être vus ou connus. Ce qui a distingué Daft Punk de beaucoup de leurs confrères évangélistes de la musique électronique (Moby, Fatboy Slim, Paul Oakenfold), les icônes du rock classique qu’ils ont grandi en idolâtrant (les Beach Boys, Kiss, Led Zeppelin) et les stars de la pop et du rap comme Kanye West et The Weeknd (qui aurait mis en place des plans similaires dans leur sillage) est qu’ils ont pu accomplir un démantèlement ambitieux sans être englobés par la marque et sans mettre beaucoup de paix personnelle au service du cachet culturel. Ils ont comblé le fossé entre la musique de leur enfance et les sons disparates de la pop à l’âge adulte. Ce sont des superstars que vous ne remarquerez peut-être pas dans un supermarché. Ce sont des retraités potentiels dans la quarantaine. Ils ont joué un bon match.
Aussi visionnaires soient-ils, à bien des égards, Thomas et Guy-Man sont venus au bon endroit au bon moment, grandissant en France aux côtés d’explosions de rock and roll et de musique électronique. Ils ont essayé shoegaze dans leur premier groupe, Darlin ‘, nommé en l’honneur de la chanson des Beach Boys de 1967 et célèbre dans une critique captivante sous le nom de « trash punky stupide », une flèche qu’ils utiliseraient à leur avantage lors de leur prochaine tentative. Traversant la vibrante scène rave européenne du début des années 1990, le duo semblait trouver une nouvelle base dans le son propulsif des tambours battants et programmés, une expression littérale des progrès en avant des nouvelles technologies qui modifieraient non seulement le son de la musique, mais aussi les méthodes de fabrication et d’expérimentation. Le père de Bangalter avait été un producteur de club bien connu dans les années 1970, enregistrant des succès avec des artistes locaux tels que le duo de chanteurs Ottawan, le groupe familial Gibson Brothers et d’autres; la facilité avec laquelle son fils traitait les aspects commerciaux de sa carrière était aussi influencée par un sens de l’histoire que l’était sa musique empreinte de champion. Daft Punk a gardé le contrôle de son art et de sa direction créative et a rarement fait des mouvements cyniques. (Dans la rétrospective de la BBC en 2015 Daft Punk déchaîné, il est suggéré que lorsque le groupe a commencé à décoller, des artistes célèbres comme Janet Jackson sont venus à la recherche de rythmes mais sont partis les mains vides.) devoirs ils ont été accueillis avec enthousiasme par une récolte fertile de vidéastes qui sont rapidement passés au cinéma. Spike Jonze réalisé Grandes lumières de la ville – la courte et triste histoire d’un chien anthropomorphe, qui sert également de vidéo pour le single à succès du duo, « Da Funk » – la même année, il a pris des fonctions de réalisateur dans Être John Malkovich. Le monstre de la purée mis en place dans « Around the World » a contribué à mettre Michel Gondry sur le radar de plus de fans et d’autres artistes les années précédentes pour épater le public avec des œuvres qui définissent l’époque comme Lumière éternelle de l’esprit pur.
Dans devoirs ère, Daft Punk a utilisé une technologie de pointe et des artistes audiovisuels émergents pour réaliser sa vision d’apporter la puissance et l’énergie cinétique de la scène rave à un public mondial. Une fois que le duo a trouvé ses repères, ils ont frappé la stratosphère. Porter des masques robotiques (d’abord comme une blague sur le « bug du millénaire » de 2000 ans, puis, plus définitivement, comme des casques dans leur agitation publique) et s’appuyer sur les grands airs accrocheurs et les compétences d’échantillonnage montrées sur devoirsAvec «Around the World» et «High Fidelity», Thomas et Guy-Man ont jeté leur dévolu sur les voyages spatiaux. 2001 Découverte on se souvient affectueusement avec des œuvres telles que Basement Jaxx Remède est De racine, Moby Jouer, les frères chimiques’ Creusez votre trouet des films comme La matrice comme monuments de la révolution « techno », mais Découverte il aspirait à être plus. Au début des sessions, l’intérêt pour une composante cinématographique s’est transformé en plans pour un anime à part entière: Interstella 5555: Le 5tory du 5ecret 5tar 5ystem – réalisé en collaboration avec Leiji Matsumoto, créateur de pièces d’anime cool et vibrantes des années 70 telles que Capitaine du pilote spatial Harlock est Galaxy Express 999 – Connectez Daft Punk avec des souvenirs d’enfance tout en profitant de l’intérêt croissant des jeunes pour les animes en dehors du Japon, alimenté par la diffusion d’émissions et de films tels que Dragon Ball Z est Akira dans le bloc de programmation Toonami de Cartoon Network. L’album est plus qu’une application étonnante de sons de toute la planète, exprimés dans la tension entre l’électronique grossière et la discothèque luxuriante dans « Short Circuit », dans les rythmes house moroder de « Veridis Quo », dans l’échantillon d’oeuvre divine en « Face to Face » et « Harder, Better, Faster, Stronger », dans le funk sensuel de « Something About Us », dans des rockers comme « Aerodynamic » et « Digital Love » ou dans des radiateurs de piste de danse parfaits comme ceux de l’album de cartes de visite , « Encore une fois ». Découverte c’est un album visuel brillant, un grand anime à part entière. C’est aussi une histoire prémonitoire sur la cupidité qui a mis en évidence l’égoïsme et l’entêtement de la classe dirigeante du monde de la musique à un moment crucial où ces qualités ont presque conduit les grands labels à couler tout le navire dans le doute sur le pouvoir et l’omniprésence de la musique numérique et du piratage.
Un dégoût sain pour la répétition ferait fuir les robots de ce résultat la prochaine fois Découverte. Après de longues années de production du dernier projet, le travail sur l’album suivant s’est terminé en six semaines, dont quatre ont été consacrées aux mix. 2005 Humain après tout rejeté DécouverteDes mélodies ensoleillées, qui s’intéressent davantage aux riffs rock et aux questions philosophiques latentes sur la nature de l’existence et les écueils de la technologie. La meilleure de ces expériences remet clairement en cause l’idée qu’il y a tout cet espace entre rock et dance et réinvente la house française comme un son plus combatif que les souches euphoriques de « Around the World » et « One More Time ». « Robot Rock », « Television Rules the Nation » et la chanson titre sont des chansons célèbres de Daft Punk, mais une fantaisie réconfortante et un méfait rendent l’album difficile à supporter, et des vidéos comme le vétéran du maquillage d’horreur et des effets Tony The Creepy Clip Gardner pour « The Prime Time of Your Life « ou la vidéo autodirigée » Technologic « , un miroir effrayant de la vidéo » The Robots « de Kraftwerk, n’a pas plu aux fans. C’est dommage, puisque l’album est plus sombre, plus les bords abrasifs annoncent des gemmes de 2006 comme le remix classique de Justice de « We Are Your Friends » de Simian, le single de Simian Mobile Disco « Hustler » et « Alice. Practice » de Crystal Castles. En tournée derrière Humain après tout en 2006 et 2007, Daft Punk a mélangé de nouvelles chansons avec d’anciens favoris, revendiquant une mesure d’honneur pour l’album un public à la fois. Le spectacle pyramidal commémoré en Vivant 2007 ce n’est pas seulement un acte radical de changer la perception d’un album largement considéré comme le premier faux pas du groupe. C’est la naissance du spectacle sur scène highfalutin du 21ème siècle, où vous pourriez voir un artiste voler au-dessus de vous ou enfermé dans un récipient transparent suspendu au-dessus de la scène. Si cette époque n’a pas impressionné ses critiques ou ses auditeurs au début, elle a offert un avant-goût de la direction de la culture pop.
Il en va de même pour le travail des robots sur la bande originale des années 2010 Tron l’héritage, la suite du classique de 1982 Tron et une première salve dans la longue campagne de Disney pour réinventer et remasteriser ses anciennes propriétés. J’aime ça Daft Punk’s Le clip de 2006 est devenu un film Electrome – dont l’iconographie historique de la science-fiction et de l’exploitation automobile ne l’a pas sauvée des mêmes plaintes sur l’absence d’intrigue des méditations de l’auteur dans la trilogie de la mort de Gus Van Sant – Tron l’héritage il est trop long et brut, accrocheur dans son optique mais manque d’une certaine âme, à la fois dans le film et dans la bande-son qui l’accompagne, bien qu’il donne un aperçu de l’esthétique synthwave le plus souvent attribuée à 2011 Conduire. Héritage a mis Daft Punk en contact avec un orchestre et a contribué à fertiliser les graines d’un album encore plus organique que Humain après tout, des plans qui se concrétiseraient en 2013 Mémoire vive, un album souvent mal compris comme un rejet du son électronique du passé de Daft Punk qui est mieux conceptualisé comme la somme de tous les fils qu’ils avaient explorés depuis le début des années 1990.
C’est la faute du groupe de l’avoir annoncé comme un album pop à succès des années 70, mais quand vous entendez George Clinton et le Dr Dre crier devoirs‘S « Teachers » ou découvrez les champions de Maze et George Duke Découverte ou notez l’intérêt de lier les sons rock et EDM qu’ils ont informés Humain après tout, vous vous rendez compte qu’ils recherchent le même son musclé et agité tout le temps et ne viennent que dans des expressions plus larges et plus variées alors qu’ils poussaient au-delà de la musique qu’ils faisaient dans leurs chambres à coucher dans les premières années. (Au cours des rares fois où le groupe a produit pour d’autres sous la bannière Daft Punk, leurs collaborateurs ont recherché la plénitude et le perfectionnisme de ce son. Ils ont créé quelque chose de puissant, convaincant et spécifique qui est distinct même lorsqu’il y a une « autre star ». « Je le sens venir » ressemble plus à RAM de Starboy; vous pouvez facilement entrer « On Sight » ou « Send It Up » Humain après tout.) « The Game of Love » a les mêmes points sentimentaux que « Something About Us ». Plus proche du prog-rock « Contact » est l’hyperactivité de « High Fidelity » exprimée à travers des touches live et des percussions. « Fragments of Time » obtient de ses joueurs de session ce que « Face to Face » a réalisé grâce à l’échantillonnage. Le mini-opéra « Touch » peut sembler indulgent, mais rappelez-vous que les robots ont eu l’idée de masques en regardant Paul Williams dans la comédie musicale scandaleuse de Brian De Palma en 1974. Fantôme de paradis. Daft Punk était-il une chose stupide, imprévisible et en constante évolution, ou était-ce plutôt un système d’exploitation dont la mécanique quotidienne a évolué au fil des années mais toujours au service d’une mission fondamentale constante et immuable?
